Bueno, hoy les vengo a hablar de ese género vagamente definido que es el sofistipop, que como su nombre lo indica es una forma de pop sofisticado, por decirlo de alguna manera. Pero para llegar a donde queremos llegar y hablarles de algunos de los ejemplares, vamos a tener que hablar de muchas cosas: colonialismo, apropiación cultural e influencias de las escuelas de arte.
Voy a dejar afuera unas cuantas cosas, probablemente para retomarlas en alguna otra nota, pero en mi cabeza tengo un hilo conductor. Vamos a ver si lo vemos.
¿Qué es el sofistipop?
El sofistipop, aún si no son musiqueros y especialmente musiqueros de los años 80 como yo, ustedes saben qué es. Lo han escuchado de alguna manera, porque básicamente, antes de que la música que pasan en Aspen, por ejemplo, o en la radio blue, fuera considerada como música retro, Aspen y su precursor inmediato, la radio láser (que estaba en el 102.3), pero también un poco la música que pasaba Horizonte, pasaban esta música que era una música, llamémosla tranqui o fina.
Una manera de pensarla también era música cheta, sobre todo porque además era exclusivamente cantada en inglés y no necesariamente tenía que ver con las baladas, que sí se pasaban muchísimo, y también el fenómeno muy de los 80 que es la power ballad, sino con otra cosa que tenía que ver con cierto refinamiento en cómo estaba hecha la música, con cierta cosa que dejaba fuera las estridencias, con cierta cosa que claramente tenía que ver con el soul, pero definitivamente no era soul porque era extremadamente blanca. Y bueno, todo esto existe, es muy, muy popular.
Ahora les voy a tirar un par de nombres que ustedes no los piensan como parte del sofistipop y sin embargo lo son, y que acá en Argentina gustan un montón. El sofistipop existió siempre. Ahora les voy a tirar un par de antecedentes directos que por ahí tendrían que conocer, pero como que tiene su máxima expresión en los años 80. Y de hecho, cuando aparecen algunos exponentes en los años 90, claramente se puede hacer una línea que va hasta sus orígenes en los años 80. Es algo que es nativo de los años 80 y que todo lo que vino después, de alguna manera, refiere a aquella versión que se hizo en los años 80.
Características de esta música
Aparte de lo que les decía (cierto refinamiento, cierto cuidado para dejar afuera las estridencias), se le presta mucha atención a la composición de las canciones, que sean canciones de estilo clásico. Ahora vamos a hablar un toquecito sobre qué implica que una canción sea de estilo clásico.
Y después tiene elementos de la música soul, especialmente de los años 60 y los 70, cierto aire californiano. Ahora vamos a hablar de qué es el aire californiano. Muchas cosas que suenan a jazz, pero no tienen nada que ver con el jazz, pero de alguna manera, uno de los nombres que se le da al sofistipop durante los años 80 era jazzy.
Y cierto cuidado estético que acompaña a todo esto. De hecho, las excepciones al cuidado estético son algunas de las que voy a dejar afuera y ya van a ver por qué.
¿Dónde empieza todo esto?
Todo esto empieza, en realidad, con Inglaterra siendo un país colonialista hace muchos años. Pero espérenme un cachito que ahora vamos a llegar al colonialismo.
Primero tiene que ver con la música soul en los Estados Unidos, con la música negra de los años 60, especialmente aquella del sello Motown y del sello Stax, el sonido de Filadelfia. Un montón de cosas que tenemos como súper naturalizadas, pero que en su momento fueron no sólo expresiones de negritud, sino que se transformaron en la verdadera música popular de los años 60, concurrentemente con fenómenos del rock como los Beatles o los Rolling Stones o todas esas cosas.
Para los baby boomers, esta es su banda de sonido de los años 60. Pero bueno, esta influencia es global, es en todo el mundo, y aparte de influenciar a un montón de artistas negros posteriores (que en general fueron por otras ramas, se fueron para el funk, hicieron música disco, terminaron haciendo hip hop), muchos artistas blancos tomaron ese sonido, tomaron la superficialidad de ese sonido y la plasmaron en sus propios discos. Esa sería una rama, digamos, llamémosla soul de los 60.
Le tengo que agregar otra rama acá, que esta tiene nombre y apellido: Bacharach & David.
Bacharach & David
¿Quiénes son Bacharach & David? Bueno, son dos compositores que compusieron algunas de las mejores canciones de los últimos casi 70 años: Burt Bacharach y Hal David. Bacharach hacía la música, Hal David hacía las letras. Ambos colaboraron con otros compositores también, pero las canciones famosas son las de Bacharach & David.
Ellos, como esta dupla, no sólo escribían canciones, sino que además generaron un concepto de producción. Este concepto de producción, además, con mucha influencia del trompetista Herb Alpert. Herb Alpert, además, fundó una compañía discográfica propia: la compañía A&M.
A&M es la compañía donde grababan desde The Police y Sting a Janet Jackson, por darles una idea, que hoy es parte del grupo Universal.
Pero Bacharach & David, Herb Alpert, ¿cómo generaron esto? Es un sonido que ustedes conocen seguro. Acá yo no sé hasta qué punto ustedes están familiarizados con los Carpenters, pero los Carpenters en los 70 popularizaron varias canciones de Bacharach & David. La más famosa de todas es Close to You, que ustedes seguramente la conocen mejor por ser la canción del primer episodio de cuando Marsh y Homer se conocen en Los Simpsons.
Pero al margen de eso, una de las cosas que hicieron Bacharach & David fue… Ellos componían canciones de un formato muy clásico, un formato que se conoce como Tin Pan Alley.
Tin Pan Alley
¿Qué es Tin Pan Alley? Tin Pan Alley era este lugar donde estaban todos los cancionistas que escribían canciones que mayormente se utilizaban en los musicales de Broadway. Estamos hablando de la era de oro de esto.
Bueno, Bacharach & David de alguna manera son continuadores de esta cosa de Tin Pan Alley. Las canciones eran muy clásicas, tenían mucha influencia del jazz en el sentido de que se utilizaban acordes no tradicionales, cambios no del todo tradicionales, lo que las hacía muy difíciles de cantar a menos que fueran cantantes muy entrenados.
Bueno, ellos para hacer lucir su material lo que hicieron fue contratar a Dionne Warwick. Dionne Warwick se hizo famosa y Bacharach & David se hicieron famosos por su colaboración con montones, montones de canciones clásicas prácticamente imposibles de cantar, salvo por una cantante dotadísima como era Dionne Warwick.
De hecho, una de las canciones más conocidas de Bacharach & David es I Say a Little Prayer. Ustedes la pueden conocer por la boda en Mejor Amigo. Muchos consideran que la versión más conocida es la de Aretha Franklin. Sin embargo, la versión original de I Say a Little Prayer, canción compuesta por Bacharach & David, es la de Dionne Warwick.
Bueno, esta es otra rama. Es muy, muy influyente, es muy, muy importante. Hay un sonido de Bacharach & David.
El sonido de California
Bueno, alguna de la gente que elaboraba con Bacharach & David, pero que eran más jóvenes (piensen que esta gente era bastante mayor), junto con alguien que podríamos considerar un par de Bacharach & David, es mi queridísima Carole King. Ya les hablé varias veces de Carole King.
Bueno, toda esa gente, junto con, por ejemplo, Joni Mitchell (les hablé de Joni hace no demasiado), se quedaron en California. Primero en una cosa como más de hipismo, pero luego armaron sus estudios de grabación y empezaron a hacer un sonido ultra refinado, que se conoce como el sonido de California.
Es un sonido que tiene, por un lado, la cosa ultra sofisticada que hizo Joni (estos discos de jazz de los que les hablaba), pero después también una beta más… No quiero decir comercial peyorativamente, pero sin tanta búsqueda artística como lo que estaba haciendo Joni, digamos. Pero que es el sonido que acá en los años 70 se conocía como el sonido FM.
Y el sonido FM en Argentina tenía una relación de amor y odio. Por un lado, hay una canción de David Lebón que se llama FM (está en el disco, si no me equivoco, La grasa de las capitales de Serú Girán), que es muy crítica de éste. Y por otro lado, tanto Serú Girán como Spinetta Jade (vi a Joni Mitchell, pero también vi a Steely Dan) estaban tratando de copiar este sonido.
Había una admiración por el refinamiento, por lo bien que lo estaban haciendo, pero por otro lado, como un rechazo por lo que significaba. Era como blando, como que no tenía el espíritu del rock, si se quiere. Y de hecho no tenía el espíritu del rock. Y creo que es parte de la gracia de todo esto.
Y por eso hablamos de sofistipop y no de sofisti-rock. Porque era una beta totalmente diferente.
El art rock inglés
Pero hablando de rock, sí, acá me voy del otro lado del Atlántico. Me voy para Inglaterra. Y quiero hablarles muy específicamente de lo que pasa luego de los 60, el verano de amor de fines de los 60 y el comienzo de los 70.
Que es que uno de los lugares, el rock en Inglaterra como que pasa a tener dos manifestaciones:
- Por un lado, una que es bien de la calle (entre comillas), pero que tiene que ver también con la moda, con Londres, con lo urbano.
- Y después otra que tiene que ver con las escuelas de arte.
Esto se conoce como art rock en general.
¿Quiénes están dentro del art rock? Bueno, se podría discutir. Alguna gente, por ejemplo, los pone a Genesis o por lo menos al primer Genesis. Pero la gente considera que lo que hacía Genesis era más sinfónico. No me voy a meter con esa discusión.
Pero sí, el art rock, muy específicamente, es Roxy Music. Roxy Music en lo original: Bryan Ferry, Brian Eno, Phil Manzanera, Andy Mackay. Y las iteraciones posteriores, que en general son más Bryan Ferry que cualquier otra cosa.
Entonces, la escuela de arte barra a rock es otra influencia importante. Bryan Ferry como persona es otra influencia muy, muy importante.
Y todo esto sigue un hilito que llamémoslo el hilito blanco de todo esto. Porque justamente lo que tiene este rock de los 70 y especialmente el art rock es que, a diferencia de otra música (los Rolling Stones claramente no sólo admiraban a los músicos negros, sino que estaban haciendo su versión de los discos negros), la tradición del art rock es mucho más europea, como también la es la del rock sinfónico.
Es como ir más a una versión que tiene que ver con la música clásica, con la manera de composición de esa, de alguna manera dejando afuera la influencia del soul, del jazz y otras cosas más. Después se vuelven a cruzar, pero estamos hablando de todavía los años 70.
De esta rama les voy a mencionar a varios nombres, no me voy a meter. Si les quiero hacer una línea casi directa y que es interesante, porque hay un artista que se piensa como un artista de los años 80, pero en realidad son artistas que empiezan en los años 70, que es la banda Japan.
Japan es la banda de David Sylvian, Mick Karn y Steve Jansen, que si bien nos asociamos con los años 80 (les hablé de Japan cuando hablamos de Duran Duran, por ejemplo), ellos empezaron en los 70 y eran, sin lugar a dudas, un producto de art rock altamente influenciado por Roxy Music también.
Japan es una influencia clave en toda esta música. No me voy a meter con Japan, si les voy a estar hablando un poco de la influencia que tuvieron, porque creo que ameritan un episodio propio y no sé si son sofistipop tanto como ser los inspiradores del sofistipop, que es una cosa bastante diferente también.
El punk y su influencia
Y un poco más acá en el tiempo, en el medio viene el punk. No hay nada más alejado del sofistipop que el punk. Pero ¿qué abre el punk?
El punk abre lo que podríamos llamar los medios de producción. Es decir, el punk lo que permite es que un montón de artistas que normalmente no se hubiesen puesto a hacer música o no hubiesen accedido a contratos discográficos, lo pudiesen hacer.
El espíritu del punk va más allá de la música punk o la imagen punk, sino lo que el punk significó para la cultura y sobre todo para la cultura en Inglaterra, muy específicamente.
Esto hace que abramos otra… Todas estas cosas que les voy diciendo son como afluentes. Pónganle que están llegando a un gran río que es el sofistipop. Vamos a ir mencionándoselo, vamos a ver cuáles se cruzan y cuáles no. Pero son como todas una serie de cosas que llegan a un gran resultado mayor.
El indie inglés
¿Por qué les digo lo del punk? Porque acá hay una pata que es importante, que es la pata del indie.
El indie es por independiente. Tiene que ver con la música creada por fuera de las compañías discográficas grandes. El indie en Inglaterra no solo es muy importante, sino que por momentos ha tenido más éxito que las compañías grandes.
Piensen en los Smiths, piensen en una banda como Adele (el primer disco de Adele era un disco indie). Para que se den una idea de la importancia que tiene el indie en Inglaterra.
El tema es que el indie, especialmente el indie en Manchester, empieza a tomar otras influencias que vienen ya así de la música negra, muy específicamente del funk.
Y hay una banda, de la cual no sé mucho, pero sé lo importante que es y sé los artistas que me gustan que están influenciados por ella, que se llama A Certain Ratio. Eran un artista de Factory, la compañía de Joy Division, de New Order, que nunca tuvo el éxito de las otras bandas, pero sumamente influyente.
Y la versión con soda de A Certain Ratio, que ustedes la conocen, que es Level 42. No voy a hablarles ni de A Certain Ratio ni de Level 42. Sepan que es de alguna manera parte de… es como un arroyito que sale para un costado, pero no es exactamente a donde quiero ir.
Colonialismo, inmigración y música
Y ya que estamos en Inglaterra, ya que estamos en Manchester, tenemos que hablar de clase trabajadora y entonces acá sí les tengo que hablar de colonialismo y capitalismo.
Colonialismo: bueno, ustedes saben, Inglaterra tiene una larga historia de colonialismo y de alguna manera el precio que pagaron por su colonialismo en Asia, en África, en las Américas, especialmente en el Caribe, es que en algún momento esas personas de las colonias pudieron viajar libremente de vuelta a Inglaterra y formar sus propias comunidades en Inglaterra e integrarse al tejido social inglés.
Y esto lo vemos mucho y lo pensamos mucho, sobre todo si ven series y películas contemporáneas inglesas, con la inmigración que vino de India y Pakistán (que en realidad era todo India y después la división, Pakistán). Y esto por ahí no lo vemos tan reflejado en la cultura musical mainstream y especialmente en los años 80.
Pero la comunidad de personas caribeñas que se asienta en Inglaterra tiene un peso muy, muy fuerte, y por eso es que Inglaterra es el principal mercado mundial del reggae y el segundo productor mundial de reggae por fuera de Jamaica, propiamente dicha.
Hay una influencia muy, muy fuerte del ska (que también es un ritmo caribeño), del reggae, de todas estas corrientes. Y mucho menor, pero también importante, son las comunidades africanas.
¿Por qué les digo que es mucho menor? Porque en general hubo mucha más inmigración caribeña que de distintos países de África, pero que van a ver que va a ser muy, muy importante en un momento.
Capitalismo y la Inglaterra de los 70
Y después, capitalismo. Bueno, en los 70 Inglaterra estaba arrasada por diversos motivos propios: la crisis del petróleo, cosas que le fueron saliendo mal en su propio modelo colonialista.
Y esto es lo que lleva, por supuesto, a que llegue Thatcher al gobierno. Y de hecho, lo de Thatcher va a ser muy importante.
Pero también sepan: Inglaterra es un país con una larga tradición de izquierda también, donde hay no sólo el partido laborista (que para nosotros es como una izquierda muy livianita, pero que no deja de serlo), sino que hay una fuerte pata socialista, que se autoproclama socialista y que en los años 80, fines de los 70 y los 80, era muy importante.
Esto lo deben haber visto también cuando se ven cosas que tienen que ver con los mineros. Lo pueden ver desde en la película Pride, donde está el apoyo de la comunidad de personas LGTB a la huelga de los mineros. Lo pueden ver también en episodios clave de The Crown que ven en los años 80. Fue como muy, muy importante.
Y también había una cosa que es diferente de los Estados Unidos, que es que la gente empobrecida que vivía generalmente en espacios provistos por el estado o en casas tomadas, no estaban segregadas de la manera que la población afro en los Estados Unidos estaba (y sigue estando segregada), que tienen como sus propios barrios y sus propios clubes y su propia escena de música.
En Inglaterra todo esto estaba mucho más mezclado, y de hecho, en términos argentinos, se militaba en conjunto, se hacían muchas cosas en conjunto. Y hay una gran cruza de músicos haciendo cosas juntas.
Apropiación e interracialidad
¿Qué pasa? Esta cruza no siempre es inocente, sino que esta cruza muchas veces es apropiativa. Es decir, hay muchos artistas blancos que consideraban que porque se criaron en un public council con gente negra, podían hacer música negra sin dar el respeto que correspondía a cuáles sean sus orígenes.
Y acá pueden empezar a pensar un montón de cosas. Es fácil pensarlo con Elvis o con UB40.
En este contexto UB40 no entra en el camino del sofistipop, pero es por ahí la referencia más fácil que pueden tener ustedes.
El tema es que esta mezcla de interracialidad, gente empobrecida militando en el socialismo por algún motivo, influencias musicales donde de repente estaba esto, estaba la gente sin trabajo, pero también estaban los que estaban en la escuela de arte, empieza a confluir de una manera que lo que tenían todos en común es que estaban escuchando discos de soul de los años 60.
Blancos, negros, todos estaban escuchando esos discos. También estaban escuchando a Bryan Ferry y también estaban escuchando a Japan, pero estaban escuchando discos de los años 60.
Y entonces empiezan sus proyectos musicales, y sus proyectos musicales son medio como una confluencia de todas estas cosas que estaban pasando al mismo tiempo.
Y se abren como dos ramitas:
- Una que se las menciono y que medio que se va a cerrar y después se las voy a mencionar otra vez.
- Y una que es el hilo conductor porque quiero ir.
ABC y el sofistipop europeo
Una es una rama que es casi exclusivamente blanca, que se las puedo ejemplificar con la banda ABC.
ABC es una banda que a mí me gusta muchísimo. Son más blancos que la leche, y de hecho se hacen famosos por su disco The Lexicon of Love (el léxico del amor), producido por mi queridísimo Trevor Horn.
Trevor va a ser el primero en decirles que es un admirador del sonido californiano. Esta cosa sobreproducida también. Trevor fue integrante de Yes antes de ser productor de Yes. Así que hay una pata que viene del rock sinfónico y recuerda el rock sinfónico como cosa muy europea.
Y cuando digo europea, piensen tradición de música europea clásica, con todo lo que eso trae aparejado.
ABC tiene muchísimo éxito con esto. Después se van por otros caminos. En un momento se ennegrecen por completo y para eso contratan al ex Shalamar, Darnell Edwards, el socio de Nile Rodgers. Pero todo eso se los dejo para un texto específico sobre eso.
Se los quiero dar como ejemplo porque es el primer ejemplo como muy poderoso de sofistipop que tiene éxito. El álbum de ABC The Lexicon of Love. Marquemos esto como un primer mojón importante a tener en cuenta.
Paul Weller y The Style Council
Hago una pausa porque vuelvo para atrás, para el punk, para hablarles de un señor que va a ser muy importante ya mismo, que es Paul Weller.
Paul Weller seguramente lo conocen desde distintas tradiciones. Paul Weller es el cantante, compositor, guitarrista de la banda The Jam. The Jam es una banda que tiene sus raíces en el punk. Nunca fueron punks específicamente, pero sin punk no habría The Jam.
The Jam toma mucho elemento de esto de los mods. Los mods son esta tribu urbana de los 60 que reviven los 80. No me voy a meter con todo esto, pero piensen en cuadros, piensen en Sting, piensen en un montón de otras cosas.
Bueno, nada. The Jam es una de las bandas más populares de fines de los 70, principios de los 80, pero populares nivel un hit cada tres meses, es decir, mega, mega exitosos.
Paul Weller además es una persona, como diría Mirtha, muy politizada, muy de izquierda, ya en The Jam también.
Y de repente, a Paul Weller le agarra la loca, desarma The Jam y decide que va a armar un proyecto nuevo que se va a llamar The Style Council.
The Style Council es como si alguien hiciera ingeniería para armar una banda de sofistipop. Bueno, esa banda sería The Style Council.
The Style Council era una banda de músicos blancos haciendo discos de soul con mucha influencia de los 60, pero también copiando muchas cosas de lo que era el sonido que se estaba haciendo de soul pre-hip hop a principios de los 80.
Y es un producto que, si bien es excelente y habemos muchos fans de The Style Council (a mí por ahí me gusta más que The Jam, y yo entiendo que es medio sacrílego decirlo, pero yo a Weller lo conozco por The Style Council y no por The Jam, que aprendí a apreciar después), The Style Council es pésimamente recibida.
Por un lado, tuvieron varios éxitos comerciales en Inglaterra, pero por otro lado, la prensa musical que hasta ese momento lo tenía a Weller en un pedestal, lo empieza a rechazar porque estos discos que él hacía (estos discos de sofistipop, que no tenían un nombre para ponerles), que era una mezcla como de soul, de jazz, con la capacidad de Weller de escribir unas canciones a prueba de balas (recuerden esto de las canciones escritas de manera muy clásica, y es muy importante).
Y acá pasa algo también que es que, para que The Style Council se presente en vivo, pero además tenga la validez que corresponde, lo que necesitaban era una voz femenina, y lo que necesitaban específicamente era una voz femenina negra.
Y acá entonces ellos se encuentran (o contratan, no sé bien cómo es la historia) con la cantante Dee C. Lee.
Dee C. Lee, y esto lo voy a remitir al texto de George Michael, era la corista negra original de Wham!, de hecho cuando Wham! era un cuarteto. Era Dee C. Lee.
Dee C. Lee se va de Wham!, entra la cantante que se conoce como Pepsi, y pasan a ser Pepsi & Shirlie, las coristas de Wham!, y después tuvieron una carrera solista que es… bueno, todo eso no tiene nada que ver.
Si bien podríamos decir que la carrera posterior de George es el sofistipop, pero eso es la carrera de George Michael, no tiene nada que ver con este movimiento.
Dee C. Lee se une a The Style Council, se une a Paul Weller, tuvieron una relación sentimental bastante famosa durante todo el tiempo que estuvieron.
Pero les traigo lo de Dee C. Lee, aparte de todo el chismerío y todo lo que tiene que ver, lo que trae Dee C. Lee a The Style Council es cierta validación negra, que es algo que vamos a ver de ahora en más.
Que todas estas bandas que de alguna manera están haciendo música negra, pero son todos chicos blancos, lo que hacen es meter a un integrante negro. No es que lo meten a la fuerza para tener cierta representación, porque como les decía, por inmigración esta gente se estaba criando todas juntas, pero en general tenía que ver con que el frontman o frontwoman de la banda era una persona blanca (Paul Weller, piénsenlo) y un integrante o una integrante de la banda era una persona negra (Dee C. Lee, en este caso).
Culture Club y el Lover’s Rock
El más emblemático de todos estos grupos es, por supuesto, Culture Club.
Culture Club, que además era el club de la cultura y se los estaban diciendo todo el tiempo, era una banda blanca donde estaba Mickey Craig, que era el bajista negro, y de alguna manera les daba permiso para hacerlo.
¿Por qué? Porque los discos de Culture Club no solo eran discos de soul, sino que además eran discos de reggae, o más específicamente discos de esa forma de reggae muy particular que se conoce como Lover’s Rock.
Les hablé de Lover’s Rock cuando hablamos de las canciones de The Sandman, por la influencia que tiene el Lover’s Rock en cosas posteriores como Soul II Soul, por ejemplo.
¿Qué es el Lover’s Rock? Bueno, el Lover’s Rock es esta forma de reggae muy tranquila, muy bien cantada, muy melódica, que justamente dan canciones para chapar. No piénsenla de esa manera. Por eso se llama Lover’s Rock, y que además se lo consideraba que estaba feminizado.
Es decir, el reggae verdadero era el de los chavones, y el Lover’s Rock era para las chicas o para los blancos.
Y entonces ahí es donde se arma esta cosa interesante, y Culture Club tiene una cosa de esto.
¿Es Culture Club sofistipop? Bueno, ¿qué pasa? Con Culture Club lo pensamos como con Wham! y George Michael, como que son su propia corriente.
Yo considero que sí. Para mí son un sofistipop que se fue de mambo, un sofistipop que tuvo demasiado éxito. Pero si escuchan los discos, muy especialmente si escuchan los primeros dos discos de Culture Club (Kissing to Be Clever y Colour by Numbers), son discos de sofistipop. Tienen una raíz muy, muy particular.
Conclusión: El Sofistipop como reflejo de su contexto sociocultural y político
El sofistipop no es solo un género musical, sino un fenómeno cultural que encapsula las tensiones, contradicciones y transformaciones de su época. Su surgimiento en los años 80 no fue casual, sino el resultado de múltiples influencias históricas:
- Colonialismo y migración
La música negra estadounidense (soul, Motown, funk) y caribeña (reggae, ska) llegó a Inglaterra gracias a las olas migratorias posteriores al colonialismo británico. Esta mezcla generó una escena musical interracial, pero también planteó debates sobre apropiación cultural, especialmente cuando artistas blancos (como los de Culture Club o The Style Council) incorporaron sonidos negros sin siempre reconocer sus raíces. - Clase y política
En una Inglaterra devastada por la crisis económica de los 70 y el gobierno de Thatcher, el sofistipop emergió como una respuesta tanto estética como ideológica. Por un lado, reflejaba el refinamiento de la escuela de arte (art rock, Roxy Music); por otro, absorbía la energía del punk y el indie, movimientos que democratizaron la producción musical. Bandas como ABC o The Style Council, aunque sofisticadas, tenían raíces en la clase trabajadora y, en algunos casos, en el socialismo británico (como Paul Weller). - Globalización y mercantilización
El sofistipop también fue producto de la industria discográfica en expansión, con sellos como A&M (de Herb Alpert) y productores como Trevor Horn llevando el sonido californiano a una audiencia global. Esto generó una paradoja: mientras la música se presentaba como “elegante” y “cosmopolita”, su éxito dependía de estructuras capitalistas que, en muchos casos, marginaban a los artistas negros que habían inspirado el género. - Identidad y performatividad
El género permitió explorar identidades ambiguas, desde el dandismo de Bryan Ferry hasta el androginismo de Boy George. En un contexto de creciente visibilidad LGBT+ (aunque aún bajo fuerte represión, como con la ley Section 28 de Thatcher), el sofistipop fue un espacio de libertad estética, aunque a menudo desde un lugar privilegiado (artistas blancos, urbanos).
El legado del sofistipop
Hoy, el sofistipop sigue influyendo en artistas que mezclan elegancia con nostalgia (como Dua Lipa o The 1975), pero su historia nos recuerda que la música nunca es solo sonido: es política, es raza, es clase y es memoria. Su sofisticación no era inocente; era el resultado de un mundo en transición, donde lo “blanco” y lo “negro”, lo “alto” y lo “popular”, lo “europeo” y lo “americano”, se entrelazaban en una melodía que, tras su aparente ligereza, escondía las huellas de la historia.
